PETER HIDE 311065 to love money over everything cm. 34x21x7

Spazio Combines XL di Milano (click: MAPPA) inaugura giovedì 23 febbraio, dalle 18.30 alle 22.00, la mostra collettiva Spread Art. Gli artisti: PETER HIDE, ANDREA CEREDA, CLAUDIO VIVIANI, CRISTIANO GASPARETTO, GIOSUÈ MARONGIU, LUIGI DREI, MARCO CASTAGNETTO, MORENA BELTRAMI, OMAR CANZI, RICCARDO BONFADINI, THOMAS BEE. Spread Art è occasione per rimettere in moto il pensiero – in modo anche ironico e provocatorio – sulle fondamenta dell’economia mondiale e sulla tangibilissima crisi sistemica che stiamo attraversando in questi ultimi anni. In collaborazione con il progetto Artetivulab.

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Peter Hide  (alias Franco Crugnola, architetto) mette in gioco passioni, suggestioni, ovvietà, malesseri del nostro tempo, tra Peter Pan (l’eterno bambino buono) e Mister Hyde (la forza del male).

Così nasce il suo pseudonimo. … (click: BLOG)   brucia il denaro, o lo tiene imprigionato in teche di plastica, e racconta così la sua società consumistica.

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Riccardo Bonfadini nei suoi “Industrial fossil” recupera sacchetti di plastica creando moderni paesaggi consumistici.

Andrea Cereda sceglie lamiere abrase e arrugginite legate insieme per far riflettere sul tema dei legami e delle “Convivenze” che spesso condizionano la nostra vita.

Morena Beltrami ripropone, con i suoi manifesti digitali che diventano una sorta di “New vision Art”, la società moderna ormai in frantumi e allo sballo.

La tecnologia digitale caratterizza anche la produzione di Giosuè Marongiu che attraverso la sua “Computer Art” propone una realtà virtuale e astratta dominante sulla comune percezione delle cose.

Omar Canzi richiama invece il mondo della Street Art portando sulla tela, in un’esplosione di colori e materiali diversi, atmosfere metropolitane e di vita urbana.

Cristiano Gasparetto è un artista sempre in movimento, quando non dipinge realizza piccole sculture con materiali metallici di recupero.

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SOLO EXIBITION _ SPREAD ART
Dal 23 Febbraio al 7 marzo 2012
@Combines XL Gallery
Via Montevideo 9, Milano
Orari mostra:
Orari: Lunedì 15.15 – 19.15
Dal martedì al sabato 11.00 – 14.30 / 16 – 19.30
Info: info@combines.it end_of_the_skype_highlighting
www.combines.it/blog
www.artetivulab.com

www.spazipossibili.com

PETER HIDE 311065 to love money cm 17x17x6

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Giorgia Cavanna, Tessuto metropolitano, 2011, acrilico su tela, cm. 120x50 - click to ENLARGE

Simboli Art Gallery di Firenze – Artisti in Santa Croce. È stata inaugurata il 3 febbraio scorso a Firenze, presso la Simboli Art Gallery (click:SITO), Artisti in Santa Croce: esposizione di artisti emergenti, per lo più talenti under 40, frutto della collaborazione di due giovanissime gallerie, attive da poco più di un anno: la Simboli Art Gallery, appunto, e la Wikiarte di Bologna (click: SITO). L’esposizione, che resterà aperta fino al 29 febbraio, è stata introdotta da due giovani critici d’arte ai quali MAE Milano Arte Expo ha chiesto questa breve presentazione: Emanuele Greco ed Alessandra Pinchera. >>

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Artisti in Santa Croce - di Emanuele Greco ed Alessandra Pinchera

La Simboli Art Gallery e la Wikiarte hanno dato vita a un progetto condiviso che ha portato per la prima volta a Firenze artisti che, nella maggior parte dei casi, mai avevano esposto nel capoluogo fiorentino prima d’ora, palesando entrambe un vivo interesse per le novità contemporanee più ricche ed animate.

In mostra si possono ammirare le opere, accuratamente selezionate, ma eterogenee per tecnica, corrente, sensibilità e materiali, di ventotto artisti, ovvero: Alessandra Vernocchi, Alessandro Preti, Anna Gatto, Antonio Castaldo, Gianfranco Bianchi, Giorgia Cavanna, Ignazio Galfano, Il Petroniano, Lisa Bernardini, Luisa Modoni, Marcello Biagiotti, Mauro Comini, Monica Fior, Oddone Ricci, Oliva Bassetti, Paola Minello, Roberto Tomba, Sarhtori, Sauro Benassi, Stefano Bettini, Teresa Ancora, Thomas Ortolan, Davide Foschi, Rubens Fogacci, Francesco Lamandini, Claudia Marchi, Danilo Giusino, Giulia Scalinci.

Davide Foschi, Creazione, 2009, acrilico e olio su tela, cm. 70x50

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L’esposizione presenta uno spaccato delle mille sfaccettature che ci offre l’arte del nostro tempo: si spazia, infatti, dalla fotografia alla scultura, dalla tecnica dell’olio all’uso virtuoso della resina, dalle tecniche miste alla corposa arte materica, fino ad arrivare al collage e agli assemblaggi polimaterici. Le opere sono state esposte secondo un criterio di similitudine, andando così a creare dei macrogruppi di opere analoghe per tecnica e sensibilità, operazione utile al fine di facilitare la lettura da parte dell’osservatore.

L’estesissima fenomenologia dei mezzi artistici e la complessità del linguaggio artistico attuale sono il cuore e l’anima della mostra, che si impone a Firenze – città spesso ancora legata alla sua memoria storica – come un interessante appuntamento culturale.

Ignazio Galfano, Sospesa, 2012, scultura (incisione su radice di legno), cm. 35x15

Grazie al coro polifonico di opere che cantano nella stessa galleria, l’esposizione presenta l’arte contemporanea nella sua essenza più stuzzicante e coinvolgente: un cantiere attivissimo ed una vera fucina di idee eterogenee e mai noiose, l’incessante necessità umana di comunicare il proprio mondo interiore.

Ed ha qualcosa di miracoloso e allo stesso tempo commovente la volontà creativa di questi artisti emergenti che, nella società attuale – così tecnicizzata ed economicamente deformata, dove tutto è ridotto a merce – perseguono disinteressatamente la propria profonda esigenza, tanto da sembrare la miglior risposta a chi, ormai molti anni fa, aveva teorizzato una fine imminente per l’arte.

Oltre alla volontà creativa del singolo artista, la galleria d’arte ha un ruolo primario nel mare magnum dell’arte di oggi e rappresenta, insieme al critico, un mezzo fondamentale nella ricerca e nel sostegno di nuovi talenti.

L’autocommittenza dell’artista contemporaneo, aspetto che ha cambiato totalmente le carte in tavola nel mondo dell’arte, ha elargito alla galleria il ruolo primario di intermediario tra l’artista ed il pubblico.

È fondamentale che l’approccio al mondo dell’arte avvenga su due linee che mai devono essere disgiunte: l’esercizio storiografico, senza il quale si perderebbe la memoria storica dei grandi nomi di un passato

Teresa Ancora, Luce e tenebre, 2011, scultura (tecnica mista con resine), h. cm. 55

anche recente, e la più vivace e brillante ricerca di avanguardia.

È su questa linea di pensiero che hanno operato le due gallerie, dando il via ad una sicuramente prolifica collaborazione. Dopo essersi concentrata su importanti mostre di artisti storicizzati, la Simboli Art Gallery si apre – affiancata dall’ampia apertura di vedute di Wikiarte – ad una viva contemporaneità, muovendo i primi passi con arguta intuizione nel non facile campo della militanza artistica.

Il compito di una galleria d’arte, infatti, non è soltanto quella di occuparsi di mercato, ma anche di fare cultura e di interessarsi, quindi, a ciò che accade nel mondo dell’arte di oggi, cercando di capirne i meccanismi e, magari, anticiparne le tendenze.

La mostra alla Simboli Art Gallery di Firenze, quindi, vuole essere uno sguardo aperto e privo di pregiudizi sulla contemporaneità.

Emanuele Greco ed Alessandra Pinchera

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SIMBOLI ART GALLERY (Firenze) e WIKI ARTE (Bologna) 

presentano la mostra

ARTISTI IN SANTA CROCE

Thomas Ortolan, Good idea, 2011, fotografia digitale, cm. 30x45

Introduzione critica di Emanuele Greco e Alessandra Pinchera

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Inaugurazione: venerdì 3 febbraio 2012, ore 18:00

Dal 3 al 29 febbraio 2012 - Ingresso libero

Video della mostra: http://www.youtube.com/watch?v=UWpSpYfR5s0&feature=youtu.be

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Gianfranco Bianchi, Pensando in Rosso, 2012, dripping con acrilico e smalto su tela, cm. 50x50

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Mauro Comini, Al Pacino. Scent of a woman, 2011, china su carta, cm. 48x33

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Francesco Lamandini, Camminando, 2009, fotografia su tela, cm. 60x80

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Luigi RAPTUZ Muratore, PASSION-STILL-BURN

Luigi RAPTUZ Muratore inaugura martedì 21 febbraio 2012, dalle ore 18,00 alle 22,00, la mostra STRADA MADRE, alla Galleria Schubert (click: MAPPA) di Milano. All’inaugurazione sarà presentato in anteprima mondiale il libro “RAPTUZ – MOTHER ROAD” edito e distribuito da Damiani Editore, realizzato in occasione del venticinquesimo anniversario di writing dell’artista (1987-2012). Mostra e Catalogo sono a cura di Lorenzo Bonini.Con il Patrocino di INWARD (Osservatorio Sulla Creatività Urbana). Questa per Raptuz è stata: “La strada madre” (sua la definizione) è quella che le ha dato la consapevolezza di valere qualcosa, di crescere come uomo e artista. “La strada mi ha dato guai, ma mi ha anche tolto dai guai, dal momento in cui ho focalizzato la mia energia sul writing piuttosto che sulle altre cattive strade che avrei potuto facilmente prendere.”  >

> comunicato stampa >

Le opere di Raptuz si generano e nascono nelle città plumbee dei dormitori, dei gasometri, nella terra promessa delle periferie dei sobborghi, lì dove si offrono solo falsi riflessi della vita e l’illusoria fuga del pensiero nella messa in scena di un mondo artificiale, lontano, se non addirittura opposto ai fragori solari del giorno e dall’incantevole armonia della città vetusta.

Il caos narrativo pittorico esaltato dall’invenzione compositiva e dagli accostamenti cromatici è la sintesi di uno sconcerto che assale e permea la perenne rincorsa delle lusinghe. Le tecniche e i materiali sono quelli classici della tradizione writing, soprattutto: vernice spray, acrilici e smalti, idropitture, le tele sono preparate in modo da simulare il muro grezzo, spesso utilizza stencils tagliati a mano e poi distrutti dopo un solo utilizzo.

Luigi RAPTUZ Muratore, CONCRETE-JUNGLE

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Non disdegna l’utilizzo di applicazioni di oggetti che hanno un significato simbolico, che conosce bene e fanno parte del suo vissuto, tipo: pennelli, matite da muratore, pezzi di cartone, bombolette, proiettili, bandane e naturalmente il talento. La movimentata frantumazione nelle opere pubblicate in monografia rimanda sempre a quel clima sicuramente di assonanza nell’unione delle composizioni, dove pensieri, tormenti e sollecitazioni fantastiche s’incontrano combinandosi, si materializzano concretamente dando origine all’opera. Sono questi validi risultati che ci mostrano il quadro riflesso su questo nostro artista di strada, nato e cresciuto nella vasta periferia lombarda, che lascia intravvedere anche in modo drammatico la sua storia di vita nel corso dei suoi venticinque anni da writing di muri, di treni, di vagoni, di metropolitane, di ponti, sottopassi, di cavalcavia, di scavalcamenti, di guardie, di fughe, di arrampicate col fiato corto e il cuore in gola ma sempre alla ricerca del fantastico per stupire e affascinare per amore.

Luigi RAPTUZ Muratore, UNDERCOVER-WORDS

Nell’opera artistica di Raptuz è doveroso chiedersi dove destina più di frequente la sua percezione creativa, poiché il suo operare investe pittura, grafica e design. L’abolizione della spazialità volumetrica, la bidimensionalità prevalente nei dipinti porta i suoi elaborati pittorici a una spazialità surreale e la creazione di un simbolismo “alfabetario” idiolettico, dall’aspetto grafico-decorativo, ad andamenti ritmici.

Da una simile definizione potrebbe sortire un’immagine globale dell’opera di Raptuz, nettamente segmentata, invece no: è una pittura intrisa di storie dell’uomo e della terra, è l’ostinata idiolettica simbologia del segno che spazia sulla super- ficie in maniera incondizionata che ne diventa indicazione d’avanguardia, attraverso il progressivo evolvere del “kaos” compositivo cromatologico.

La parata dei lettering che fluttuano impetuosi sulla tela, talvolta assumono i connotati di totem, che salgono dal basso e trionfano quasi come emergessero dal profondo del colore di assoluto che in esso rispecchia nelle diverse accezioni cromatiche. La bidimensionalità, la ricerca spaziale irrobustisce la risposta positivista all’affermarsi dei caratteri, ma talvolta essi si rendono irreperibili si dissolvono come incubi quotidiani, filtrati dall’attenta regia compositiva dell’artista, sono mostrati, svelati con lo stesso travolgente e sotterraneo linguaggio con il quale si esprimono di fronte ai nostri occhi. Simboli delle realtà dimenticate, graffiti dei sotterranei e luoghi di rifugio, con le note metalliche e stridenti della selvaggia metamorfosi della nostra epoca s’impongono sulla tela proprio perché sono reali.

L’artista si è ancora una volta appropriato dell’esistente, del fenomeno; spetta a noi continuare ora decifrarlo. Ogni volta s’impadronisce dell’universo, ne prenderà la maschera duttile, v’introdurrà la propria mimica, il proprio calore, le proprie grida e lo presenterà, in apparenza, quasi intatto; in realtà, svuotato della sua sostanza, al quale il pittore ha sostituito la propria. Mutamento e trasfigurazione quale misteriosa alchimia la rendono compiuta sotto i nostri occhi, plasmando ogni volta un aspetto imprevedibile. Linguistiche tecnologiche dei nostri giorni animate da un’insuperabile forza; predomina adesso in lui la volontà di immergersi totalmente negli incubi quotidiani, nelle grida e nei deliri dei “Raptuz” che avverte nelle realtà sociali metropolitane dei nostri giorni.

Luigi RAPTUZ Muratore, NO-MERCY

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Luigi “RAPTUZ” Muratore - http://www.raptuz.com/bio.html

Nasce nel 1968 nell’hinterland milanese, e fin da piccolo viene a contatto con le realtà di una provincia disagiata e non propriamente “tranquilla”. Dopo le scuole dell’obbligo, si diploma alla “Scuola del fumetto” di Milano dove apprende i fondamenti e le tecniche del disegno, dell’illustrazione e della grafica pubblicitaria. Nel 1987 Raptuz si affaccia al mondo del Writing, un mondo che sentirà suo a tal punto da non abbandonarlo più. Nel 1990 fonda con un gruppo di artisti la TDK Crew, che in breve tempo diventa un vero e proprio mito nell’ambiente del writing italiano. La Crew, conosciuta sia per gli innumerevoli lavori su commissione, sia e soprattutto per la sua “parte oscura” – come Raptuz ama definire l‘attività “non proprio autorizzata” su treni e metropolitane – resta tutt’ora un punto di riferimento nello scenario Italiano. Poco più tardi, assieme al rapper J.AX, Raptuz fonda la Spaghetti Funk Crew, con la quale nei primi anni novanta inventa di fatto in Italia le esibizioni (ora molto di moda) “Live Painting” sul palco, durante concerti, festival, e negli show televisivi, contribuendo a diffondere il Writing fin nei più remoti comuni italiani, arrivando sino ad un’apparizione cinematografica interpretando se stesso, nel film “Senza Filtro” del 2001.

Nel 1991 in Italia i tempi non sono ancora maturi per vivere solamente della sua arte e Raptuz tenta l’avventura americana partendo senza un soldo in tasca per Los Angeles. Le regole della vita di strada apprese nella dura provincia milanese prima, e nei quartieri malfamati di Milano poi, si rivelano subito utili anche oltre oceano, ed in breve tempo si guadagna il rispetto dei “duri” writers locali, in una Los Angeles devastata dai “Riots” per l’assassinio di Rodney King ed in piena lotta tra le gang dei “Crips” e dei “Bloods”, entrando anche a far parte della storica crew di West Hollywood “CBS”, della quale ne è tutt’ora onorato membro. A livello artistico l’esperienza americana frutta, oltre alle moltissime commissioni in giro per la California meridionale, anche la partecipazione nel 1996 ai “Vargas Awards” (Las Vegas) e nel 1998 al “Festival of Arts” (Laguna Beach). Tornato a Milano, e diventato nel frattempo anche un apprezzato grafico e designer, Raptuz collabora negli anni con molte grandi aziende e partecipa esibendosi live, in innumerevoli eventi, concerti e tour italiani. Nel 2005 fonda una delle prime ACU (Associazioni per la Creatività Urbana) italiane “Associazione Italiana Writers – Tribù Dell’Indice” della quale è presidente, e con la quale, inoltre, organizza eventi benefici – come l’ormai noto “Write for Food” – ed eventi di interscambio artistico-culturali per giovani writers italiani a Los Angeles – la “LAGoldrush”. Nel 2008 Raptuz fonda la “TDK Art D-Vision” con cui crea e promuove esposizioni collettive e mostre personali di streetartists sia già affermati che emergenti. Raptuz, forte del proprio unico mix di entusiasmo e professionalità, negli anni espone le sue opere in gallerie e musei importanti, come il PAC di Milano, La Triennale di Milano, il MART di Trento e Rovereto, la Galleria Civica di Monza, il Museo Civico e la Galleria Civica di Bolzano, la Crewest Gallery di Los Angeles.

Esposizioni recenti di Luigi RAPTUZ Muratore

2011 – “Street Art e Post Graffitismo” Asta – (FarsettiArte/Stradedarts, Milano)

“More Rock’N’Roll” Mostra Collettiva (XL Combines Gallery, Milano)

“Broken Windows Theory” Mostra Collettiva (Subspace Gallery, Los Angeles – USA)

“Century Icons” Mostra Personale (XL Combines Gallery, Milano)

“500 Contemporary Art Meeting” Mostra Collettiva (Spazio Concept, Milano)

“Stadio Street Players” Mostra Collettiva (San Siro Museum, Milano)

“Identities” Mostra Collettiva TDK Crew (Paola Rescio Gallery, Milano)

“Abissi” Mostra Collettiva (Acquario Civico, Milano)

“Writing The History” Mostra Collettiva (The Don Gallery, Milano)

“Amazing Day” Mostra Collettiva (Spazio Concept, Milano)

2010 – “Street Erotique” Mostra Collettiva (Spazio Azimut, Torino)

“MOA” Mostra Personale (Villa Erba, Cernobbio CO)

“La Forma Delle Reti” Mostra Collettiva (Museo Leonardo Da Vinci, Milano)

“Gallarate in Wonderwall” evento-urbano (Palazzo Manzoni, Gallarate VA)

“Vivere Milano In Green” mostra collettiva (Viale Sarca 336, Milano)

“My Lodi, My Idol” mostra collettiva (Sala Delle Colonne, Lodi)

“Freedom” mostra collettiva (Museo Civico di Bolzano)

2009 – “La Street Art nell’Urban Hotel ” mostra collettiva (Hotel Boscolo Exedra Milano)

“Oltre il Muro” mostra collettiva (Galleria Civica di Bolzano)

“Breaking Walls” mostra collettiva (Museo Fondazione Luciana Matalon, Milano)

“Write For Abruzzo” mostra collettiva benefica (From Spoon To City Gallery, Torino)

“L’infanzia a Colori” mostra-evento benefico (Palazzo Giureconsulti, MIlano)

“Colori, Profumi, Sapori, Suoni” mostra-evento (Lungomare Marconi, Vallecrosia IM)

“Smack” mostra collettiva(Quaranta 40, MIlano)

“T.V.T.B” mostra collettiva (Galleria Civica di Monza)

“Vernice Art Fair” mostra collettiva (Fiera di Forlì)

2008 – “Vuote a Rendere” mostra collettiva (Arte Due Gallery, Milano)

“Downtown Artwalk” mostra collettiva (Crewest Gallery, Los Angeles, USA.)

“LA Goldrush Live” mostra collettiva (Crewest Gallery Los Angeles, USA.)

“Menu Kebab” mostra personale (Piazza Mercantile, Bari)

“Write For Food” asta benefica (AIW, Milano) – 2007 – 2008 – 2009 – 2010

2007 – “Street Art, Sweet Art” (Padiglione Arte Contenporanea, Milano)

“My Name Is” mostra collettiva (Triennale Bovisa, Milano)

“Italian Master” mostra collettiva (Crewest Gallery, Los Angeles, USA.)

In breve: GALLERIA SCHUBERT
Attiva da oltre quarant’anni la Galleria Schubert si distingue per l’ampiezza e la
varietà delle proposte espositive. Si è passati con disinvoltura dai grandi maestri
ai giovani esordienti.
La filosofia è quella di creare un luogo aperto alla sperimentazione e riflessione.
La galleria viene vista come il luogo di riproduzione dell’arte, il luogo cioè dove
l’arte si rinnova e si confronta con la tradizione del grande passato.
La nostra missione si esplica nel cercare nuovi cultori della materia, stimolare il
senso critico e la partecipazione del pubblico.
La nostra ambizione risiede nell’aumentare la complessità del panorama artistico
lasciando traccia tangibile nel caos evolutivo dell’espressione artistica.
Fondata nel 1967 da Alberto Schubert e Adele Lilloni la Galleria Schubert ha
avuto diverse sedi. La prima in via Cino del Duca (allora via Cerva), quindi nel
1971 una seconda sede in via Montenapolene/via Bagutta e una terza a Lugano
in società con Eligio Boni (Boni+Schubert). Successivamente le succursali
vennero chiuse e solo la sede di via Montenapoleone rimase attiva fino al 1999.
Dal 2000 la galleria si trova in via Fontana 11 a Milano ed è diretta da Andrea
Schubert, succeduto alla sua guida dal 1987.

In breve: INWARD
INWARD – INTERNATIONAL NETWORK ON WRITING ART RESEARCH AND
DEVELOPMENT – I.N.W.A.R.D. è un gruppo internazionale di esperti che opera
per la valorizzazione della creatività urbana con seminari, workshop, convention,
ricerche e progetti nelle università, con enti pubblici, per privati e in
collaborazione con associazioni no-profit e operatori culturali, con programmi di
educazione e formazione interdisciplinare, promuovendo un team diffuso di
centinaia di creativi urbani italiani e producendo libri, eventi, mostre, audiovisivi,
riqualificazioni urbane. Impegnato da molti anni nel facilitare la corretta
comprensione del fenomeno, distinguendolo ed allontanandolo dal vandalismo in
città, dialoga sugli aspetti della creatività urbana con sociologi, antropologi,
architetti, urbanisti, designer, critici d’arte, artisti e comunicatori.

Luigi “RAPTUZ” Muratore
“STRADA MADRE”

GALLERIA SCHUBERT, Via Fontana, 11 – Milano
Vernissage:
MARTEDI 21 FEBBRAIO 2012 dalle ore 18,00 alle 22,00.
Orari di apertura galleria:
Martedì/Venerdì dalle 11,00 alle 19,00 (orario continuato).
SAB/DOM chiuso
Lunedì 15-19
Fine Mostra:
VENERDI 9 MARZO 2012 alle ore 19,00.
All’inaugurazione della mostra sarà presentato in anteprima mondiale il libro
“RAPTUZ – MOTHER ROAD” edito e distribuito da Damiani Editore, realizzato in
occasione del venticinquesimo anniversario di writing dell’artista (1987-2012).
Mostra e Catalogo a cura di:
Prof. Lorenzo Bonini
Con il Patrocino di:
INWARD (Osservatorio Sulla Creatività Urbana)
Galleria Schubert – informazioni: schubert1@interfree.it – www.schubert.it – tel.+39.02.54101633 – fax
+39.02.54101633
Ufficio Stampa: Paola Conforti
Casi Umani s.r.l. – Via Cappuccio 12 – 20123 Milano
paola@casiumani.it – www.casiumani.it – tel. +39.02.540202.12

Gualtiero Mocenni, Senza titolo,1994, cm.18x18x10, alla Galleria Cortina di Milano

L’Associazione Culturale Renzo Cortina (click:MAPPA) ospita una mostra dedicata alle opere in ceramica di Gualtiero Mocenni, pittore e scultore di fama internazionale e quelle di Simone Mocenni Beck. Inaugurazione: martedì 28 febbraio ore 18,30. I lavori del padre, Gualtiero Mocenni, ripercorrono stilisticamente la sua carriera ormai storicizzata, mentre quelli di Simone fanno parte del suo ultimo periodo creativo. Si tratta di opere che spaziano dai bassorilievi alla scultura a tutto tondo interpretando tutte le varie forme espressive della ceramica in una costante ricerca che vede affiancati padre e figlio nella realizzazione del ciclo completo di questi manufatti dall’ideazione alle opere finite: sono gli stessi artisti che cuociono nel forno del loro studio le ceramiche senza alcun intervento esterno. >

> comunicato stampa >

Una mostra che vuole essere anche un omaggio a Renzo Cortina, storico gallerista milanese, in occasione del 50° anniversario della galleria da lui fondata nel 1962 e ora gestita dal figlio Stefano Cortina. Un omaggio all’amicizia che ha sempre legato i Mocenni e i Cortina attraverso le generazioni e che si nutre di dialoghi sull’arte nei frequenti incontri durante i vernissages all’Associazione Culturale Renzo Cortina e nello studio dei Mocenni.

Gualtiero Mocenni (Pola, Istria 1935) Pittore e scultore, ha avuto continue evoluzioni nelle due differenti discipline artistiche. Ha tenuto la sua prima mostra personale nel 1970, a Milano. Da allora fino ad oggi, ha esposto le sue opere nelle principali gallerie del mondo in più di 100 mostre personali e innumerevoli collettive. Ha partecipato a oltre 40 simposi internazionali di scultura in tutto il mondo. Nel 2006, presso la casa editrice Signum di Bollate (MI), pubblica la grande monografia “Mocenni, opere pubbliche, 1975-2005” di Ante Glibota e nel 2008 la monografia sui sessant’anni di attività come pittore di Alberto Veca. È in uscita la monografia “Disegni 1950-2010” di Flaminio Gualdoni.

Simone Beck, Reperto contemporaneo , 2010, terracotta cm. 32x12x5

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Simone Mocenni Beck (Milano 1970) Pittore e scultore, utilizza nel suo lavoro il “cluster” (grappolo), reminiscenza delle sue composizioni giovanili di musica sperimentale. Dal 2002 ad oggi ha partecipato a 15 simposi internazionali di scultura e altrettante mostre personali in Italia e all’estero. Artista poliedrico, dal 1995 pubblica romanzi e raccolte di poesie. Tra le opere realizzate vanno ricordate le cinque grandi tele collocate a Dubai, UAE, presso gli uffici della Emaar Properties, nel 2007, e il monumento “Da poeta a poeta”, un monolite alto quattro metri dal peso di venti tonnellate, realizzato per la città di Bjelovar, in Croazia, nel 2008. Nel mese di Giugno del 2009 è uscito per le edizioni Signum di Bollate, un volume monografico sul suo lavoro di pittore e scultore a cura di Pier Luigi Senna.

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INCONTRO CON LA CERAMICA DEI MOCENNI

Omaggio a Renzo Cortina

Dal 28 febbraio al 2 marzo 2012

Inaugurazione: martedì 28 febbraio ore 18,30

Associazione Culturale Renzo Cortina, Via Mac Mahon 14/7, Milano

Tel: 0233607236    e-mail: artecortina@artecortina.it    www.cortinaarte.it

La mostra proseguirà fino al 2 marzo con i seguenti orari:

10.00-12.30      16.30-19.30 chiuso domenica e lunedì mattina.

Alessandro Valeri - le ali, 2005

Mostra in due tappe, alla onepieceart gallery di Olimpia Orsini, a Roma (click:MAPPA). Prende il titolo da Paul Valéry e vi partecipano Claudio Abate, Nobuyoshi  Araki, Elisabetta Catalano, Mimmo Cattarinich, Giovanni Cozzi, Angelo Cricchi, Sandro Fogli, Irina Ionesco, Nino Migliori, Euro Rotelli, Jan Saudek, Pino Settanni, Alessandro Valeri, Fernanda Veron, Claudio Vitale, Joel Peter Witkin. > comunicato stampa > La mostra tratta un tema a lungo affrontato nella Storia della Fotografia che si è confrontata con il Corpo e il Nudo adottando scelte linguistiche molto differenti.  >
Tale eterogeneità di sguardo emerge da questa collettiva che, in due tappe espositive, propone opere fotografiche che mettono in scena la nudità attraverso non solo la sensualità delle forme, l’erotismo che si rivela da trasparenze e controluce quanto, piuttosto – seppure tramite questa evidente qualità erotica – quell’autenticità del carattere, del desiderio e di genere del corpo esibito.

Il titolo dell’esposizione è una citazione da Paul Valéry, scelta da Barbara Martusciello come ideale commento della collettiva, e accompagna la lettura dell’esposizione che trae sostanza poetica proprio dalla ricerca di quella pelle sotto la pelle che la Fotografia sembra celare e allo stesso tempo proteggere sulla superficie delle sue stampe, così come pare siano intenti a fare gli stessi soggetti in esse raffigurati.

giovanni cozzi - androgine on black rocks, 1996

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In questa prima tappa, che inaugura venerdì 24 febbraio 2012, h 18, otto autori affrontano il tema in questione.

Giovanni Cozzi esibisce una bellezza femminile raffinata e sensuale da cui traspare una dose di enigmaticità; l’ambiguità è la cifra distintiva di Alessandro Valeri, Joel Peter Witkin, Nino Migliori. Nel caso del maestro bolognese, l’ambiguità è forse, parafrasando un vecchio adagio, “solo negli occhi di chi guarda”; nell’opera di Valeri la nudità muliebre è luminosa, un tripudio di magnificenza, omaggio black che pare richiamare alla dualità bene/male; in Witkin il nudo confonde onirico e perturbante; anche nelle immagini di Angelo Cricchi emerge l’indeterminatezza di corpi semivestiti ove si cita l’immaginario sacro assunto a valore simbolico e aprendo a una molteplicità di riferimenti. Irina Ionesco scopre il corpo femminile ma emblematicamente cela ogni riferimento alla sua storia e alla narrazione individuale. Euro Rotelli restituisce con il movimento e la danza una perfezione di corpi a loro agio in una nudità che appare ricerca di originario. Pino Settanni, il maestro di Grottaglie romano d’adozione e definito “un pittore con la macchina fotografica”, esplicita, attraverso uno scatto esemplare, una perfezione ideale di matrice classica che egli ha saputo trasformare in materia palpitante e assolutamente reale.

Prima inaugurazione _ # 1: venerdì 24 febbraio 2012, h 18  - fino al 20 marzo

Giovanni Cozzi, Angelo Cricchi, Irina Ionesco, Nino Migliori, Euro Rotelli, Pino Settanni, Alessandro Valeri, Joel Peter Witkin.

pino settanni - senza titolo, 1993

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Seconda inaugurazione _ # 2: sabato 24 marzo 2012, h 18 – fino al 24 aprile

Claudio Abate, Nobuyoshi  Araki, Elisabetta Catalano, Mimmo Cattarinich, Sandro Fogli, Jan Saudek, Fernanda Veron, Claudio Vitale

La mostra è in collaborazione con Takeawaygallery

Testo critico di Barbara Martusciello

Schede di Carlotta Monteverde

one piece art gallery, Via Margutta 53b, 00187 Roma

Tel./fax: +39 06.32.65.19.09 M.1: +39 347 52 07 567; mail: onepieceart@libero.it. 

www.onepieceart.com/; takeawaygallery@gmail.com

Orari: da martedì a venerdì 11:00 – 13:00 / 17:00 – 19:30;  sabato 10:30 – 13:00

Albano Morandi, The Rose of Beuys, 2010

ALBANO MORANDI - Inaugurazione: mercoledì 29 febbraio 2012 alle ore 18,30 alla Galleria Milano, (click:MAPPA) dove, presente l’autore, Rachele Ferrario e Flaminio Gualdoni parleranno del libro di Albano Morandi Dialogo ludico di un pittore lirico (con la propria ombra). Edito da Roberto Peccolo nella collana Memorie d’artista. Il libro si compone di due parti: un testo scritto in forma di dialogo teatrale a tre voci, che da il titolo all’opera, e una serie di lavori che vanno sotto il nome di Breve compendio di storia dell’arte per chi ha perso la memoria, alcuni dei quali saranno esposti in galleria.

> comunicato stampa >

Albano Morandi parte dal presupposto che per arrivare all’arte bisogna partire dall’opera d’arte e questa consapevolezza lo porta a colloquiare con artisti o meglio con le loro opere come se fossero materiale da plasmare.

Il progetto, nasce nel 2008 dalla volontà di riunire virtualmente e poi in un Libro, attraverso quel metaforico passaggio da una stanza all’altra, la mente dell’artista Morandi con quella degli altri artisti da lui prescelti e che ha coinvolto nel suo gioco. Porte di stanze che ricalcano la soglia da superare per riflettere dialogando. In altra forma, quanto Federico Fellini avrebbe definito “disponibilità”, disponibilità dell’artista verso l’altro artista, dell’artista verso il pubblico e del pubblico verso l’artista. È la volontà di dialogare rimanendo se stessi.

Fiori assenti, 199096 Installazione 24 pezzi collage e cera su supporto ( scatole di polaroid) 13,4x9,4 cad

L’esigenza è di non dimenticare il passato, di ricordare e  per questa ragione gli elementi vengono riproposti e rimessi in gioco. Una forma di sperimentazione profonda, ma anche divertente  che  spinge Albano Morandi a riflettere per condividere e per risvegliare nella visione comune potenzialità dormienti. Desiderio di dialogo, che diviene relazione.

In questo progetto il lavoro prende avvio da una riflessione sulle opere di alcuni maestri della storia dell’arte; da Malevic a Mondrian, da Beuys a Twombly a Sol Lewitt. Una riflessione ironica trattata con leggerezza antiretorica e anticelebrativa poiché l’ironia è infatti l’unica componente che fa digerire al mondo contemporaneo la spiritualità.

Alla mostra di Albano Morandi verranno inoltre presentate  alcune opere relative alle serie degli Erbari, dei Gesti Quotidiani e dei Colori come Suoni. che permettono di seguire il percorso artistico di Albano Morandi,

Al termine della presentazione del Libro saranno presentì per un’azione performativa musicale Steve Piccolo e Gak Sato.

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ALBANO MORANDI

Inaugurazione: mercoledì 29 febbraio 2012 alle ore 18,30

Periodo espositivo: da Giovedì 1 marzo a giovedì 28 marzo 2012

Orari della Galleria: da martedì a sabato dalle ore 10,00 alle 13,00 e dalle 16,00 alle 20,00

 Galleria Milano, 20121 Milano – Via Manin, 13 – Via Turati, 14

Tel. 02 29 00 03 52 – Tel e Fax 02 29 00 32 83

www.galleriamilano.com

info@galleriamilano.com

ON VIDEOS for hours and hours - La Galleria Arte Boccanera di Trento (click:MAPPA), con la collaborazione di VisualContainer e da un’idea di Giancarlo Sciascia, sabato 25 febbraio 2012 propone ON VIDEOS for hours and hours: giornata dedicata alla presentazione delle ultime tendenze della videoarte nazionale ed internazionale. Testo di Giorgio Fedeli > In base a confronti diretti con i professionisti ed operatori del settore, emerge che la videoarte sia una forma d’arte contemporanea che, seppure in auge da oltre cinquant’anni, non è ancora stata ben assimilata dai fruitori d’arte contemporanea del nostro Paese, anche se soliti frequentatori delle più importanti gallerie d’arte. >

In particolare, risulta forse ancor più difficile rimanere aggiornati proprio oggi, quando sotto la denominazione di videoarte gravitano in realtà una serie veramente eterogenea di linguaggi e proposte, che dalle forme più concettuali si aprono poi alle contaminazioni con la performance, l’espressione multimediale audiovisiva e il film d’artista.

Jacopo Jenna, Dove c'e`molta luce l'ombra e`piu`nera, 2009, 11'00''

Qualunque sia la sua declinazione, la videoarte è una forma d’arte sempre più attuale nel panorama contemporaneo in quanto assolutamente affine alle modalità comunicative e sociali del nostro vivere attuale ed in grado di offrire opere in assoluta tangenza di poetica ed estetica con quanto contemporaneamente proposto in pittura e fotografia.

VisualContainer ritiene pertanto preziosa e stimolante la possibilità di dedicare presso la Galleria Arte Boccanera un’intera giornata in cui introdurre ed approfondire la più recente produzione videoartistica dall’Italia.

ON VIDEOS for hours and hours propone a Trento quindi uno speciale screening di video d’arte e new media, in grado di fornire una panoramica dei possibili scenari estetici e poetici del video d’arte, di ricerca e di sperimentazione di questo nostro inizio millennio, presentando una rassegna di opere degli ultimi tre anni.

E’ naturalmente molto difficile, ieri come adesso, delimitare dei precisi confini nella ricerca d’arte contemporanea e proporre con sicurezza delle categorie definitive, visto oltretutto che l’essenza stessa della

Cristobal Catalan, Tour(escape), 2010, 7'15''

videoarte è come si è detto il continuo movimento nell’ambito di formule espressive diverse, ma pare ragionevole identificare almeno 9 categorie che identificano quanto viene proposto dagli artisti in Italia nel primo decennio del Duemila, in assoluta tangenza con quanto proposto a livello internazionale.

Per ogni epoca, vi è uno spirito del tempo e la videoarte, analogamente alle altre forme d’arte contemporanea, è ancora una volta al passo nel fornirgli la voce più espressiva ed interrogativa, ben espressa dalla rassegna proposta.

(Giorgio Fedeli)
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Alfred Dong, Glocal, 2010, 3'21''

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Speciale Videoarte
Titolo: ON VIDEOS for hours and hours
A cura di: VisualContainer e da un’idea di Giancarlo Sciascia
Sede: Galleria Arte Boccanera, Trento
Conferenza stampa: sabato 25 febbraio 2012, ore 11.30
Proiezioni video: sabato 25 febbraio 2012, dalle ore 15.00
Periodo: dal 25 febbraio al 3 marzo 2012
Orario: dal martedì al sabato 10.00-13.00 / 16.00-19.00
Indirizzo: via Milano 128/130 Trento
Info: +39 0461 984206 | +39 340 5747013
info@arteboccanera.com | www.arteboccanera.com

Albert Merino, The trace of salt, 2010, 07'40''

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Special Videoart

Title: ON VIDEOS for hours and hours

Curated by: VisualContainer and from an idea by Giancarlo Sciascia

Location: Arte Boccanera Gallery, Trento IT

Press conference: Saturday, February 25^th, 2012, 11:30 am

Video screenings: Saturday, February 25^th, 2012, from 3:00 pm

Time: from February 25^th to March 3^rd, 2012

Opening hours: from Tuesday to Saturday, 10 am – 1 pm / 4 pm – 7 pm

Address: via Milano 128/130 Trento IT

Info: P 39 0461 984206 | M +39 340 5747013

info@arteboccanera.com | www.arteboccanera.com

ON VIDEOS for hours and hours

Arte Boccanera gallery, in partnership with VisualContainer and from an idea by Giancarlo Sciascia, is pleased to present on Saturday February 25^th 2012 “ON VIDEOS for hours and hours”: a day dedicated to the presentation and discussion of  the latest trends in videoart nationally and internationally.

On the grounds of direct comparisons with art professionals and practitioners, it is apparent that videoart is a form of contemporary art that, despite existing for over fifty years, has not yet been assimilated by the art audience in our country, even though they are familiar with the most important art galleries.

In particular, it is possibly even more difficult to keep up with the video offerings of our very days, as a most diverse range of languages and proposals files under the name of videoart, from the most conceptual expressions to the contamination with performance, audio-visual multimedia research and artist’s film.

Whatever such expression may be, videoart is an art form increasingly in vogue in the contemporary scene as being very similar to the communication and social issues of our time and capable of showing artworks that are completely in tangency with the aesthetic and poetic values in current painting and photography.

On such basis, VisualContainer believes that the opportunity to spend a whole day at the Arte Boccanera gallery introducing and discussing the most recent Italian videoart production would be a truly valuable and stimulating opportunity.  

ON VIDEOS for hours and hours therefore proposes in Trento a special videoart and new media screening, aimed at providing an overview of the possible aesthetic and poetic sceneries of videoart at the beginning of the third Millennium, by presenting a selection of works produced in the last three years.

Of course, it is very very difficult to demarcate the precise boundaries of contemporary art research and propose final categories with certainty, also because, as above mentioned, the essence of videoart lies in the continuous movement of expressive formulas, but it seems rather reasonable to tell at least 9 categories that could identify what is being proposed by the artists in Italy in the first decade of the new Millennium, in absolute tangency with what’s also presented at an international level.
For every time, there is a zeitgeist and video art, like the other forms of contemporary art, is once again so abreast of it to provide the most expressive and questioning voice, as very well expressed by the screening on show. (Giorgio Fedeli)

Ernesto Morales, Golondrinas, 2011, olio su tela, cm100x150

Interno Ventidue Arte Contemporanea (nata a Roma nel 2007 per iniziativa di due giovani Storici dell’Arte: Marzia Capannolo e Luca Barreca) apre la nuova stagione espositiva 2012 con la mostra Mari Migranti, personale di Ernesto Morales - patrocinata dall’Ambasciata Argentina in Italia e dal Comune di Rapallo – che resterà esposta fino al 11 marzo 2012 a Rapallo, presso l’Antico Castello sul Mare (click: INFO). L’artista argentino Ernesto Morales nasce a Montevideo, Uruguay, nel 1974. Attualmente vive in Italia e dal 2006 lavora tra l’Europa e il Sudamerica. Ernesto Morales ha esposto in diversi paesi del Sudamerica e dell’Europa, tra cui: Argentina (Buenos Aires, Mendoza, Cordoba, Salta, Jujuy); Italia (Roma, Milano, Pisa, Napoli, Torino, Genova); Francia (Parigi, Bordeaux, Toulouse, Bayonne); Spagna (Madrid, Barcellona, Bilbao); Germania (Colonia). Dall’inizio del 2006 l’attività artistica di Ernesto Morales è patrocinata dall’Ambasciata Argentina in Italia e dall’Istituto Italiano di Cultura della città di Buenos Aires. >

> comunicato stampa >

Ernesto Morales espone a Rapallo ventisei opere di cui venti inedite a confronto con una selezione di sei lavori realizzati tra il 2010 e il 2011 durante un lungo soggiorno in Liguria dove la scoperta delle suggestioni paesistiche e luministiche della Riviera ha consentito all’artista argentino di approfondire la propria ricerca pittorica sull’estetica del colore in profonda connessione con l’indagine concettuale che supporta la sua produzione.

Rispetto alla serie Le città dei ritorni – rappresentata nella mostra di Rapallo dal dittico Llegar, el dia y la noche – caratterizzata da un richiamo ad un lessico prettamente simbolico sospeso in una dimensione onirica, nelle nuove opere della mostra Mari Migranti la pura manifestazione degli elementi naturali vento e luce riduce al minimo l’incidenza nella composizione degli inserimenti formali, pur seguendo l’impianto monocromo che caratterizza da sempre la ricerca dell’artista, evidenziando inoltre l’intenzione di indagare la realtà al di là della manifestazione materica della stessa. Morales utilizza la metafora degli elementi naturali in continua trasformazione per entrare negli infiniti labirinti emozionali dove scorrono le tracce segnate dall’esperienza del viaggio e della migrazione.

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Questo nuovo progetto costituisce infatti un passaggio importante nella produzione dell’artista poiché segna una sorta di approdo rispetto alla ricerca sui temi della distanza e della memoria che nelle opere degli anni passati si traducevano nell’enigma di spazi urbani desolati, delineati da segni e elementi formali volti a rivelare dimensioni di intensa sospensione fra il tempo della visione e il tempo della percezione emotiva; in Mari Migranti invece tale ricerca tende a stabilire una connessione profonda con il principio di simultaneità che domina il tempo: passato e presente convergono, e l’esperienza interiorizzata del viaggio si traspone nel quotidiano dell’essere umano come  elemento necessariamente influente.

La mostra Mari Migranti prosegue il percorso di valorizzazione dei legami storici e culturali tra Italia e Argentina già avviato dall’artista con le esposizioni personali Tiempos migrantes, inaugurata nel 2010 a Roma presso le Scuderie di Palazzo Santacroce, IILA – Istituto Italo Latino Americano, e Le città dei ritorni, inaugurata a Genova a novembre 2010 presso il Museo della Commenda di Prè per le celebrazioni del Bicentenario della Repubblica Argentina.

La mostra Mari Migranti è promossa da ASCOM Rapallo e organizzata da Interno Ventidue Arte Contemporanea in collaborazione con Associazione Mater Matuta.
 
La mostra è accompagnata dal catalogo “Mari Migranti” edito da Erga Edizioni, a cura di Marzia Capannolo.

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Mostre Personali di ERNESTO MORALES dal 2008 ad oggi

2011 Vientos del Exilio – Istituto Cervantes – Roma

Ernesto Morales – Project Room – Galleria Raffaella De Chirico Arte Contemporanea – Torino

Il tempo della distanza – Galleria Russo-Asso di Quadri – Milano

Viajes - Galleria della Marina di Genova Aeroporto, testo critico di Luciano Caprile – Genova

2010 Genova Buenos Aires \ Le città dei ritorni – Complesso Monumentale della Commenda di Pré,  testi critici di Massimo Sgroi e Luciano Caprie – Genova

Tiempos Migrantes – Scuderie di Palazzo Santacroce IILA – istituto Italo Latino Americano, testo critico di Lorenzo Canova – Roma

Vacas Migrantes – Galleria Interno Ventidue Arte Contemporanea – Roma

2009 Ciudad de memorias – Museo Municipal de Bellas Artes Benito Quinquela Martin, testo critico di Victor Fernandez -  Buenos Aires, Argentina

2008 Le città dell’esilio – Galleria Il Sole Arte Contemporanea, testo critico di Lorenzo Canova – Roma

Città ritrovate. Pisa e Buenos Aires – Palazzo Fiumi e Fossi, testo critico di Lorenzo Canova – Pisa

Identidades – Galleria Palazzo Mazzatosta Arte Contemporanea – Viterbo

La città della distanza – Spazio Odradek, testo critico di Gianmaria Nerli – Roma

L’identità ritrovata – Spazio Angelo Mai – Roma

La città della distanza – Galleria Picagallery – Napoli,

Sguardi sostenibili: San Potito – Comune di San Potito – Caserta

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Per informazioni e contatti:
Interno Ventidue Arte Contemporanea - http://www.internoventidue.com/index/index.php
info@internoventidue.com
Mob + 39 393 3918764

Rudy Cremonini (2011) Every policy and assignments Olio su tela Cm 100 x 140

La galleria Glenda Cinquegrana: the Studio (click MAPPA) di Milano espone – fino al 30 marzo 2012 – la doppia personale di Rudy Cremonini ed Enrico Pitzianti. La sigla YIA che costituisce il titolo della mostra, che sta per Young Italian Artists, allude all’apertura di un ciclo espositivo della galleria dedicato all’arte italiana under 30, in quelle che sono le sue manifestazioni più significative ed interessanti. I due giovani artisti, che pure lavorano su media diversi, rappresentati rispettivamente dalla pittura e il collage, sono accomunati da una ricerca che si caratterizza per un voluto ermetismo comunicativo.

> comunicato stampa>

Come nella celebre lirica di Montale Non chiederci parola, l’identità delle pratiche artistiche passa attraverso la negazione: per Cremonini è una condizione dell’esistere; per Pitzianti, che lavora intervenendo all’interno degli schemi del linguaggio figurativo del collage, questa si realizza sul piano dell’aspetto comunicativo dell’immagine. Come diceva Montale, codesto solo oggi possiamo dirti, ciò che non siamo, ciò che non vogliamo.
Le opere pittoriche del bolognese Rudy Cremonini si caratterizzano per una dimensione di
sospensione nello spazio e nel tempo: le sue tele, realizzate secondo una profondissima
monocromia di ascendenza morandiana, trovano i propri soggetti in elementi visivi prelevati da
una dimensione di archetipica lontananza nello spazio e nel tempo.

Enrico Pitzianti (2010) Secondo specchio #5 Mixed media su carta Cm 28 x 21

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La poetica di Cremonini mette in atto una vera e propria archeologia dello sguardo [L. Meneghelli], simile a quella di artisti come Christian Boltanski e Gerard Richter. Le immagini hanno un carattere indefinito e
indefinibile che è tipico dei ricordi, quando questi emergono sulla superficie della memoria.
In mostra troviamo un susseguirsi di bonsai, uccelli in gabbia, bambini, manufatti da museo,
oggetti ambigui che racchiudono il fascino dell’intrusivo e dell’enigmatico. Al centro della
ricerca di Cremonini si trova la ricorrente metafora della castrazione, intesa come conflitto
perenne e irrisolto fra libertà e necessità. La pittura recita il canto del cigno della morte delle
illusioni, e dell’impossibilità per l’individuo di svilupparsi seguendo lo slancio propulsivo della
volontà. I dipinti di Cremonini raccontano la condizione ambigua che è propria dell’essere che
non riesce ad essere.

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In un modo completamente differente, anche Enrico Pitzianti, parla di negazione. Sardo ma
bolognese di adozione, Enrico eredita le sue modalità espressive dalla grafica, ma
cambiandone il segno. L’artista lavora tramite la raccolta di materiale figurativo prelevato dal
passato: i suoi collage si compongono di frammenti di immagini di pubblicità, di fotografie degli
anni Cinquanta, Sessanta e Settanta, combinate in modo da costruire scenari visivi nuovi.
Eppure a differenza di quanto accade nella grafica, nel suo lavoro viene meno la reale volontà
di comunicare messaggi: le sue opere, prevalentemente di piccolo formato, quasi come piccoli
haiku visivi, restano composizioni volutamente criptiche e oscure.
Enrico da alcuni anni è parte di un collettivo internazionale di artisti, sparsi fra Germania Francia e Italia, interessati alla sperimentazione nella pratica del collage, i cui membri, riuniti
nella pubblicazione in una rivista mensile intitolata Mèkanik Copulaire, reinterpretano la lezione
classica del collage degli Anni Venti, fra Surrealismo francese ed Espressionismo tedesco. Il
lavoro di Pitzianti, il più equilibrato sotto il profilo formale, tende alla distorsione dei significati
in modo talvolta sottilmente ironico, talvolta spiazzante.
La mostra raccoglie le opere tratte dalla serie Green Folder, Bees made honey in the Lions
Skull, Rural Zone in a Party boy viscere, Alofness is happiness, e Secondo Specchio.
Quest’ultima serie, ispirata alla teoria della relatività fisica, si caratterizza per ricorrente figura
della porta, simbolo della comunicazione interrotta.

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Rudy Cremonini  è nato a Bologna nel 1981.
Personali principali_La vita la vediamo a memoria, (a cura di) L. Meneghelli, Museo Ebraico di Bologna,
Bologna (2012); Lebensraum, (a cura di) L. Canova, Biennale Marsica (2010); documenti di alterità (a
cura di) L. Canova, Museo delle cere anatomiche ‘Luigi Cattaneo’, Bologna (2010).
Collettive principali_Janare, C.a.p.a, (cura di) I. Quaroni, Casa Arcangelo, Benevento (2011), Nomadic
Settlers/Settled nomads, (a cura) di B.S. Bejeng Ndikung e S. Kraft, Kunstraum Kreuzberg, Bethaninen
Berlin Project, SAVVY Contemporary Berlin, Berlino (2011); (In)Leiden, Galerie Stephan Stumpf,
München (2011); Horse Latitudes, Underdog Studio, Modena (2011).

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Enrico Pitzianti è nato a Cagliari nel 1988. Vive a Bologna.
Mostre principali_ The Others Fair, galleria Glenda Cinquegrana: the Studio, Torino (2011); Le
rencontres d’Arles, Arles (2011); Little big press, (a cura di) 3/3, MACRO Testaccio, Roma (2011);
Mèkanik Copulaire#1 (a cura di) W. Turmeau, Strasburgo (2010).
Premi_ MANizos, MAN di Nuoro, (a cura di) G. Pazzola (2011).

YIA
Rudy Cremonini | Enrico Pitzianti

Glenda Cinquegrana: The Studio - via F. Sforza, 49 I- 20122 Milano
Opening: giovedì 9 febbraio 2012 ore 19,00.
da venerdì 10 febbraio al 30 marzo 2012.
dal martedì al sabato dalle 15,00 alle 19,00.
negli altri orari su appuntamento.

telefono: +39 02 89695586
email: info@glendacinquegrana.com

http://www.glendacinquegrana.com/

The Studio segue le più recenti proposte dell’arte italiana ed internazionale. Spazio
espositivo concepito per una fruizione privata, si ispira alla creazione di nuove modalità di
comunicazione con il pubblico, più vicine al modello one-to-one e on-demand.

DutyGorn, POPLYPTYCH: 

Gli sguardi profondi rendono la tela, un’esperienza emozionale. “Poplyptych” è una personale dell’artista dove i volti femminili vengono tagliati e scomposti in composte tridimensionalita’ sulla stessa tela, che si adatta al luogo dove essa è costretta a reggersi, i volti sono lesionati, sfaccettati, non è più la tela ad adattarsi al volto, ma il volto ad adattarsi ad essa. Uno studio ricercato dell’artista che segna la propria maturazione, nel caos dei contorni imposti dalla tela, ritrovando pace nelle citazioni dei suoi autori prediletti.

Nota critica di Elisa Fava 

DutyGorn strappa istinti e suggestioni direttamente dalla quotidianità della Milano benpensante, dalle sue grottesche ma accattivanti contraddizioni. Nel discorso più ampio dell’arte contemporanea, il suo fare sembra quasi seguire una sorta di rivisitazione diacronica dell’esperienza Pop.

Il giovane artista si esprime attraverso una sorta di metalinguaggio, definibile come messaggio pittorico ibrido, perché composto di più gesti, segnici ed espressivi, che si formano in origine grazie a sensazioni raccolte dalla strada. Formatosi come writer (1994 – 1995), l’artista ha acquisito dalla società i codici della comunicazione, ovvero imput di senso che prendono significato, si trasformano ed instaurano relazioni reciproche. Le prime opere, realizzate verso la fine degli anni novanta, sono lettering, scritte graficamente ricercate caratterizzate da un taglio stilistico personalizzato, dettato dalle sole regole della strada che si tramandano quasi come atavica tradizione orale. Quasi inconsapevolmente DutyGorn giunge ad uno stadio successivo e dal 2000 inizia a lavorare su pannelli di compensato e tele, dove con spray, pennello e acrilico, inizia a focalizzare l’attenzione verso nuovi particolari, dettagli anatomici di volti femminili, nettamente tagliati sul supporto quasi sempre pulito e bianco e meticolosamente definiti da un segno ancor più emotivo: “lavorare sul tratto è l’unico modo per riempire il ritratto di animo e spessore soggettivo”, ricorda l’artista. Tutte queste sono dunque contaminazioni tra linguaggio e comportamento che vanno a fondare un’architettura visiva, dove immagine, parola ed evocazione storica collettiva – ma intima ed introspettiva – si offrono simbiotiche allo sguardo, per giungere, alla creazione di veri e propri polittici di piani scomposti e compenetrantisi (2004 – 2011). L’artista ama definire queste ricerche ‘studi’ o ‘progetti’ di cui alcuni esempi sono i trittici, i grandi ritratti che coprono tutta la tela o, ancora, i volti scontornati, i cui particolari vogliono simbolizzare l’idea di purezza affiorando isolati in lineamenti appena accennati dove è il concetto del togliere a prevalere.

Tutte queste sono ricerche diverse, ma al contempo possibilità che possono essere usate insieme per andare a perfezionare di volta in volta ogni nuova opera. É proprio questo il loro filo conduttore: la continuità. Non può sussistere una fine compiuta e conclusiva ma solo “un continuo remake di sequenze già definite alle quali attenersi”. Duty Gorn fa incontrare il pittorico con la parola, per invadere poi lo spazio della tela con rivisitazioni segniche odierne o sintesi simboliche di significato evocativo, come l’onnipresente frammento Dostoevskiano dell”R3′, una sorta di funzione – simbolo, appunto, che sta a rappresentare le tre diverse personalità di Raskol’nìkov, protagonista in Delitto e castigo (1866).
Ecco come, consequenzialmente, si sviluppa lo spessore di ricerca e la complessità della sovrapposizione visiva, corrisponde un intensificarsi dell’indagine intellettuale. Così prendono forma le citazioni, quelle più mediatiche e ‘basse’ tratte da film e personaggi celebri, che sono la faccia più nota della nostra realtà culturale, fino a quelle più significative della grande letteratura otto – novecentesca. La tela vive di piani narrativi anche quando non è scomposta in polittici e le compresenze semantiche che si condensano in stratificazioni di senso estetico. Calza bene l’insegnamento di Bachtin, che proprio dall’osservazione del romanzo di Dostoevskij ha ricavato la necessità pluri linguistica dell’uomo, che trapela dai suoi personaggi, mai integri ed univoci che però invocano un’interpretazione esterna per risultare vividi, reali, appunto polisemici. Come i protagonisti delle pagine di Dostoevskij, quelli delle tele di Duty Gorn vivono dell’intimità poliedrica dell’artista – autore: “volti che si spezzano per lasciar intravedere la loro anima profonda”. Ma, allo stesso tempo, parlano anche dalla parte dell’osservatore, necessitano del suo sguardo per essere costruiti, valutati, indagati tanto da ricomporre le fratture dei polittici.
Se lo stile può incedere a volte nel luogo comune del linguaggio popular, quasi serigrafico ed asettico, in realtà ad essere messa in atto è una desublimazione – controfaccia della teoria Adorniana che vuole intendere queste rappresentazioni come fattori della cultura di massa portatrici di un declino sociale e storico – combattuta a suon di gesti eccentricamente lusinghieri ed armonici.

Duty Gorn si manifesta come polo opposto dell’avanguardia storica che ha invece lottato attraverso la capacità dissacratoria del brutto e si rivela portatore di un messaggio di rivisitazione positiva – più debitrice al Tatlin dei Controrilievi (1915), quegli incastri di piani aggettanti a volte persino posti in bilico tra gli angoli della sala espositiva, proprio come i polittici di DutyGorn – che è infine quello contemporaneo della ‘cultura affermativa’, finalmente consapevole dei propri miti ma anche delle proprie illusioni.

Elisa Fava 

16 febbraio – 1 marzo 2012
Atelier Chagall | Alzaia Naviglio Grande, 4 – Milano
Tel. 02 83660823

www.zamenhofgallery.jimdo.com

www.dutygorn.com